Pinturas “Unicas” con
religiosidad “obsoleta
La vista llega antes
que las palabras. El niño mira antes de hablar.
Lo que sabemos o lo que creemos afecta al modo en que vemos
las cosas
Nunca miramos una sola cosa, siempre
miramos la relación entre las cosas y nosotros mismos.
Mirar es un acto voluntario, lo que vemos queda a nuestro
alcance, pero no necesariamente al de nuestro tacto.
El ojo del otro se combina con el nuestro para dar
credibilidad a que formamos parte del mundo visible.
Toda imagen es una interpretación subjetiva de algo, incluso
una foto, que empieza desde la elección del fotógrafo con un encuadre, y su
interpretación acaba con nuestro modo de ver.
Las imágenes se hicieron como registro algo ausente, ya que
perviven al objeto representado. Muestran el modo en que X ve a Y. Lo que
genera consciencia de individualidad y de historia.
Ningún documento es tan directo,
preciso y rico como la imagen, si es creada y tratada con profundidad.
Hipótesis aprendidas acerca del arte ya no se ajustan al mundo moderno, pero se perpetúan
mistificando el arte del pasado, esto se
hace para ocultad su verdad en lugar de aclararla.
Una minoría privilegiada se esfuerza
por inventar y defender una historia que justifique el papel y los actos de las
clases dirigentes en la historia (inmorales, egoístas, etc) cuando tal justificación no tiene sentido en
términos modernos.
Un ejemplo de mistificación es defender que la maestría del
genio en cuanto a términos compositivos constituye la carga emocional de un
cuadro
La seducción que genera un cuadro se
produce porque vivimos en una sociedad de relaciones sociales y valores morales
comparables a los de los cuadros que vemos y esto es lo que les otorga esa
importancia psicológica y social o “seducción”
Algunos críticos son grandes
“mistificadores” capaces de cambiar algunos significados para que en nuestra
sociedad actual sean bien vistos (Ejemplo cuadro Hals, regentes.
borracho Holanda bien visto, hoy mal visto) y de obviar
cuestiones de interés como quue Halls era pobre y vive de la caridad de los
retratados y como intenta ser objetivo evitar verles con ojos de indigente.
Para evitar la mistificación debemos ver las diferencias
entre el arte actual y el del pasado.
Antes la perspectiva se presentaba al hombre a través de sus
ojos, (arte más estático y preparado) una convención que se mantuvo desde el
alto renacimiento hasta la invención de la Cámara, esta demostró un nuevo ideal
de perspectivas.
Los impresionistas querían captar una realidad que escapa, y
quieren atrapar un instante que no para de fluir.
Los cubistas querían mostrar como lo visible no solo está en
frente sino alrededor del objeto.
Los cuadros antes
formaban parte de los edificios, iglesias etc La unicidad de todo cuadro
formaba parte del lugar en que residía.
La cámara al reproducir una pintura cuantas veces se quiera
destruye su unicidad, entra en los hogares, su significado se transforma en
cientos, según donde y cuando se vea.
La obra original adquiere la
dimensión de unicidad, la significación y el valor de la obra ya no esta en lo
que dice sino en la unicidad de lo que es.
Se piensa “ es distinto a cualquier otro, si lo miro con
atención reconoceré su autenticidad, es auténtico y por tanto bello “ Los
expertos en arte buscan este pensamiento.
Este misticismo de unicidad de la
obra, acompañado de una religiosidad (falsa ya que no es fuerza activa de
nuestra época) del que envuelven los
críticos las obras, pretenden sustituir
parte de la magia que perdió la pintura tras la invención de la cámara y las
reproducciones. Y asi otorgarles un valor más, el misterio del precio
incalculable.
La educación privilegiada va unida a un interés mayor por el
arte.
Hoy día en las reproducciones, además de ser una referencia
del original. Factores como el orden ,
los datos adicionales, el lugar, el momento , el tamaño, todo influye y cambia
la misma imagen y la convierte en diferentes, A menudo ocurre en colecciones
personales, imágenes similares que se retroalimentan.
Estos tableros deberían reemplazar a los museos.
No es que los cuadros clásicos no
tengan ya magia, pero para encontrarla debería buscarse tras esa falsa mascara
de misticismo y religiosidad, y buscar su autentica verdad dentro de esta
época.
Los cuadros originales son
silenciosos e inmóviles, como la información no lo es, esto tiene el efecto de
acercar en el tiempo el acto de pintar el cuadro y nuestro acto de mirarlo, su
momento histórico está literalmente ante nuestros ojos. Nostalgia es importante
y real.
Los modernos medios de reproducción han destruido la
autoridad del arte y lo han sacado de un coto concreto de significación. Son
efímeras, accesibles y libres. Han entrado en una corriente de vida (lenguaje
de imágenes) en la que no tienen ningún poder especial en si mismas.
Sin embargo las masas no son conscientes, y creen que ese
misticismo aun perdura, y que además pueden disfrutarlas mediante las
reproducciones de igual modo que lo hacia la minoría culta. Las masas siguen
mostrando desinterés.
El arte de hoy se ha convertido en una cuestión política, la
gente aislada de su pasado tiene menos libertad para situarse en la historia y
actuar acorde.
EL espectador ideal, el
varon
La presencia de una mujer sugiere lo que se le puede o no
hacer, la del hombre lo que es capaz de hacer.
Nacer mujer consiste en ser mantenida por los hombres dentro
de un espacio limitado previamente asignado.
La mujer vive sometida a esa tutela, debe ir acompañada de
la imagen que tiene de si misma, Desde pequeñas deben contemplarse y examinarse
continuamente.
Su sentido de ser ella misma es suplantado por el de ser apreciada como la
ve el otro. El supervisor que lleva dentro una mujer es masculino, y la
supervisada es femenina.
En los desnudos europeos existen criterios y convenciones
que han llevado a ver y juzgar a las mujeres como visiones.
·
Por coger ella la manzana Dios les hace cobrar
consciencia de su mutua desnudez y sus diferencias anatómicas, y dicta la
dominación del hombre sobre la mujer.
·
Nace la vergüenza que en pintura esta mas
representada como pudor hacia el espectador, ella sabe que el espectador la ve
y esta desnuda para que la vean.
·
Ofrece su feminidad con un encanto calculado al
hombre que imagina que la mira.
·
El espejo se utilizó como símbolo de vanidad de
la mujer, esta actitud moralizante es hipócrita.
·
El espejo no es para deleitarse en si misma sino
para confirmarse y poder mostrarse como espectáculo. Ejemplo: Vanidad, Memling
·
El juicio provoca que la belleza se convierta en
objeto de competición. Ejemplo: El juicio de Paris, Rubens.
·
Las mejores bellezas han de ser poseídas por un
juez (Reyes y ricos..) y exhibidas en forma de cuadros. Ejemplo: Nell
GwirmeLely, Lely (expresión de sumisión)
·
En otras culturas la mujer no es sumisa sino
activa como el hombre, se absorben.
·
El desnudo esta relacionado con la sexualidad
vivida, estar desnudo equivale a ser visto en estado de desnudez por otros y
sin embargo no reconocerse a si mismo, esto ocurre porque la sexualidad se ha
desarrollado vestido.
·
Asi el desnudo se convierte en un traje mas que
no es el que mejor nos define.
·
El espectador de los cuadros que se supone
masculino es el protagonista y si lleva
ropa por que si quiere definirse y seguir siendo el dominador.
·
Las mujeres no tienen vello por que el vello es
símbolo pasión sexual, debe ser del hombre.
·
En ocasiones aparece un hombre como amante pero
la atención de ella rara vez esta centrada en el, si en el espectador, el que
ella considera su auténtico amante, esto provoca placer en el espectador y que
este se vea asi mismo dentro expulsando al otro
·
Entra en juego la competición entre ellos, la
masculinidad, en el arte académico del siglo XIX, hombres de negocios discutían
bajo cuadros como les soledaes, Bouguerau,
cuando eran superados en astucia por otro hombre, miraban al cuadro y
recordaban que eran hombres.
Hay unos pocos desnudos que escapan de estos
convencionalismos, no son desnudos, son cuadros de mujeres amadas, desde una
visión muy personal. La mujer no se ha denudado para el, el pintor representa
el cuadro de modo que la voluntad e intención de la mujer, la expresión de su
cuerpo y rostro, formen parte de la estructura de la imagen, Ejemplo: Danae,
Rembrandt.
¿Por qué actúan estos convencionalismos en nuestra cultura y
en otras no? ¿Cuál es la función sexual de la desnudez? ¿Qué significa para
nosotros esta visión del otro?
Lo cierto es que al menos en nuestra
cultura, la desnudez actúa como una confirmación y provoca una intensa
sensación de alivio. Nos sentimos abrumados y afectados por la simplicidad del
mecanismo sexual.
El alivio se provoca porque al percibir y disfrutar de la
desnudez entra un elemento de banalidad. Esta banalidad (o pérdida de misterio)
es necesaria porque permite encontrar una realidad incuestionable e invisible
en un estado anterior de deseo y excitación.
Este juego de misterio,
excitación, y posterior alivio, es necesario como parte de la magia del desnudo
en nuestra cultura, que no tiene que ver con la dominación del hombre, sino con
el convencionalismo adquirido evolutivamente de ir vestidos, ya que afecta a
ambos, eso si, de mara diferente.
La desnudez es un proceso, mas que un estado que, se ve
afectado por creador y espectador y sus experiencias sexuales vividas.
Si la desnudez se aisla totalmente de su misterio sexual,
resultara fría y banal, una banalidad que no conecta con los dos estados como
lo hacía antes.
Por esta razón, en las fotografía es mas complicado
encontrar buenos desnudos expresivos, por ser más un medio más realista s y obvio.
La solución fácil para los
fotógrafos es convertir la figura en “un desnudo” que al generalizar tanto el
espectáculo y espectador, la sexualidad ya no es especifica de una situación
concreta y el deseo se convierte en fantasía.
En el cuadro de Rubens Elena fourmente hay un error no
intencionado, del cuerpo con respecto a las piernas, pero le otorga un
dinamismo imposible de otro modo, y al mismo tiempo una metáfora de su sexo,
por lo que resulta mas expresivo.
La banalidad es el tercer elemento esencial para cualquier
imagen de la desnudez, como conclusión esta debe ser franca, pero no fría.
En la pintura Europea el desnudo se
presentaba como manifestación del
espíritu humanista (el hombre y su razón están al servicio de Dios) y solo gracias al desarrollo
de un individualismo consciente (autosuficiencia, dignidad moral )
Pintores como Rubens o Durero consiguieron pintar imágenes extremadamente
personales de la desnudez superando el modelo de artista mecenas,
pensador propietario frente al objeto que poseer, que pintar, la mujer tratada
como una cosa o como una abstracción.
Durero por ejemplo creía que el denudo ideal debía
construirse con partes de distintas mujeres. El resultado glorificaría al hombre
presupone indiferencia a las personas.
Manet rompió el
ideal, en el cuadro de Olympia, pintando a una prostituta que representa el
papel tradicional de la mujer lo pone en duda con cierto desafío, ya que no es
la mujer típicamente representada, dominada y carente de elección. El ideal
roto se reemplaza por el realismo del cuadro.
La prostituta desafiante, estuvo presente en los primeros
cuadros vanguardistas del siglo XX pero la tradición continuo vigente y las
actitudes y valores de esta aun continúan vigentes en: Publicidad, prensa,
televisión.
La mujer se sigue representanto de
forma diferente al hombre, por que se supone que el espectador ideal es varon.
El oleo y sus
limitaciones expresivas impuestas
Surgió la
necesidad de expresar y representar una vida que era imposible con el temple o
el fresco. El oleo muestra con pericia la textura, el lustre la solidez de lo
descrito. Aunque es bidimensional su potencia ilusionista es mayor a la de la
escultura y define mejor lo real.
La pintura al oleo se inventó y creció
en una sociedad (entre 1500 y 1900) que
le aporto unas bases, normas y modos de
ver a los paisajes, las mujeres los alimentos, los líderes, la mitología, el
genio, que aún perduran de algún modo en nuestra sociedad.
Afortunadamente fueron minadas por el impresionismo y demolidas
por el cubismo, y mas tarde por la fotografía.
Tal como dicta esa tradición el arte
prospera si la sociedad cuenta con individuos que amen el arte, ¿ que es amar
el arte?
Para los artistas del renacimiento la pintura es un instrumento
de conocimiento pero también de posesión.
Existe una analogía ignorada por historiadores aun presente,
la de el modo de ver el contenido de un oleo y su posesión. Tener un objeto
pintado no es muy distinto de comprarlo y tenerlo.
El arte de cualquier época tiende a
servir los intereses ideológicos de la clase dominante y los ricos mercaderes
italianos veían a los artistas como confirmadores de sus posesiones bellas y
deseables.
Lo cual desencadeno que ciertas actitudes de propiedad y
cambio, encontraran su expresión en la pintura al oleo.
Todo lo material era representable e intercambiable, se
escapaba el alma gracias a la filosofía cartesiana. Se podía hablar ella pero
solo en referencia, nunca por como la imaginaba. Excepciones en Rembrandt, el
Greco, Giorgine, Vermeer, Turner.
Circulaban miles de lienzos, y solo unos pocos son hoy
considerados y reproducidos como obras de arte de Los maestros.
La historia del arte ha fracasado en
explicar la diferencia entre obras de arte de primer nivel y medias (lo intenta
con la idea de genio y el misticismo antes hablado) ya que en ninguna
cultura hay tanta diferencia entre obras.
En esta diferenciación se valoran
habilidad, imaginación y ética.
La ética era
el valor más en deshuso ya que la mayoría de obras catalogadas como medias
tienen cierto grado de cinismo, al ser pintadas sin importar su significado al
pintor, solo acabarla para venderla en una época de mercado libre del arte.
La habilidad y pericia del pintor tenía que ser capaz de
demostrar la deseabilidad de aquello que se podía comprar con dinero más que el
propio objeto.
La imaginación, era difícil de encontrar y se recurría a símbolos metafísicos , que
solian resultar poco convincentes, aburridos y antinaturales, debido al
materialismo inequívoco y estático de la técnica de la pintura. Al igual que
pasa con la pintura religiosa, parece hipócrita.
La pintura no puede librarse
facilmente de la pretensión tradicional de materializar lo tangible para el
placer inmediato del propietario.
Los cuadros
de magdalena son incapaces de describir la renuncia que ha hecho, sigue
pintándose como una mujer deseable y poseible.
Pintores como
Blake comprendían las limitaciones profundas de la tradición, por lo que
intentaban trascender a la corporeidad de la pintura al oleo, con figuras
indefinidas, desafiantes de la gravedad, para que las personas no fueran
reducibles a objetos.
Sin embargo la mayoría de pinturas
al oleo eran simples demostraciones de lo que se poseía, tierras u objetos.
El retrato
formal o publico en la tradición, a diferencia del autorretrato o retrato
informal de un amigo, debía guardar cierta distancia, nunca en primer plano por
que provocaría cierta intimidad irrespetuosa, por eso lo normal era encontrar
objetos en primer término, lo que por el contra provocaba cierta artificialidad
y rigidez de los sujetos, a no ser que se vean como el pintor simultáneamente
cerca y lejos.
El género más elevado de pintura fue
el histórico o mitológico, nos sorprenden por aburridas e hipócritas ya que no
eran más que referencias de valores éticos y formales de su propia conducta
idealizada.
Son carentes de imaginación ya que
su única finalidad era la de representar y
embellecer las experiencias que las clases altas ya tenían. Eran como un disfraz de mayor virtud
, a veces tan obvio como el cuadro de las gracias decorando el himeneo, en el
que puso a sus hijas.
La pintura
costumbrista era lo opuesto, vulgar en lugar de noble, sin embargo, se
utilizaba para una mentira sentimental (como hacia Hals que pintaba pobres
felices) mostrar que solo prosperan los honrados y trabajadores, eran populares
entre los nuevos burgueses que se identificaban con la moraleja. Excepción del
pintor Adriaen Brower, que pintaba cuadros de borrachos sinceros y realistas,
muy admirado por Rembrandt y Rubens.
La pintura de paisaje no respondía a
ninguna necesidad social como el retrato o los bodegones, además era intangible
ya que el cielo por ejemplo no se puede tocar ni poseer.
El paisaje
comenzó con las normas de la tradición mostrando tierras con sus dueños en
ellos (Ejemplo MR y mrs Andrews) pero se
independizo pronto e influyó de forma directa en el resto de pintura gracias a
artistas como Ruysdael, Rembrandt con sus innovaciones en lo referente a la
visión y Constable o Turner que fueron desde lo sustancial y tangible hacia lo
intangible o indeterminado.
La relación
entre propiedad y arte en la cultura Europea es algo natural para esta cultura,
ya que el concepto de propiedad siempre ha sido de gran valor para las clases
altas.
La pintura al
oleo europea por tanto no es una ventana abierta al mundo salvo excepciones,
sino una caja fuerte en la que se ha depositado lo visible de esta sociedad.
Ciertos artistas se han apartado en
ocasiones de la tradición y han creado obras opuestas a esta, sin embargo se
les ha aclamado como los máximos representantes de la tradición siempre después
de su muerte, asimilando algunas innovaciones
técnicas menores para no parecer mentiros, y así continuar su camino
como si ninguno de sus principios hubiese sufrido mayor perturbación. Esto
explica que Rembrandt, Vermeer, Poussin, Chardin, Goya, o Turner no tuvieran
seguidores solo imitadores superficiales.
De la
tradición también emergió la idea de genio, artista como hombre que se pasa la
vida luchando contra las circunstancias materiales, la incomprensión y contra sí
mismo.
En nuestra
cultura surge en primer lugar por el mercado libre del arte y en segundo lugar
y más importante los artistas cuando crecían tomaban conciencia del limitado
papel que tenía la pintura (celebrar la propiedad material y el rango que la
acompañaba) luchaban contra el lenguaje de su propio arte tal como lo entendía
la tradición.
Rembrandt lo
consiguió pasando de usar los métodos tradicionales con fines tradicionales en
el autorretrato con sakia hasta sus últimos
autorretratos, donde vuelve la tradición contra si misma, y representa la
cuestión de la existencia en una vía tradicionalmente desarrollada para excluir
esa cuestión.
La publicidad
En ninguna
sociedad ha existido tal concentración de imágenes. Aceptamos el sistema global
de imágenes como el que acepta el clima.
Las imágenes
deben renovarse constantemente para estar al día. Pasan ante nosotros y son
dinámicas nosotros estáticos.
La publicidad
se explica y justifica como medio competitivo que beneficia en último termino
al público (consumidor) y a los mejores fabricantes, y con ello a la economía
nacional.
Está
relacionada con la libertad, libertad de elección. Los letreros representan el
mundo libre.
Es cierto que
una empresa compite con otra, pero también que toda imagen apoya y confirma las
demás. No es un conjunto de mensajes aislados, sino un lenguaje con un solo
objetivo.
Decirnos que
gastar nos ara más ricos en otro nuevo sentido. Busca fascinarnos para que nos
transformemos constantemente en algo envidiable.
Conviene no confundir la publicidad
con el placer del uso de los productos. La publicidad funciona porque se nutre
de lo real. Cosas deseables por sí mismas.
Se centra en
las relaciones sociales no en los objetos, no promete placer, sino la
felicidad, felicidad juzgada por otros desde fuera, la felicidad provocada por
la envidia del resto.
En los
anuncios cuanto más impersonales son los modelos más grande es su ilusión de
poder.
¿Qué tiene en común con la pintura al
oleo?
Referencias
directas a obras del pasado para aumentar la seducción o autoridad cultural de
sus mensajes. (Dignidad sabiduría)
La publicidad reposa en gran medida
sobre el lenguaje de la pintura al oleo, habla con la misma voz y de las mismas
cosas:
·
Gestos
de modelos y figuras mitológicas
·
Uso
romántico de la naturaleza para crear un lugar donde descubrir la inocencia
·
Atracción
exótica y nostálgica del mediterráneo
·
Estereotipos
de mujer
·
Enfasis
sexual de las piernas de la mujer
·
El
mar que ofrece una nueva vida
·
Posturas
de hombres que sugieren riqueza y virilidad
·
Distancia
mediante perspectiva que evoca algo misterioso
·
Ecuación
bebida tabaco igual a éxito social
·
Jcaballero
jinete ahora caballero motorista
Es nostálgica
por que necesita utilizar conceptos o cualidades que tenemos asumidos o “medio
aprendidos” en nuestra sociedad para ser creíble, si utilizase un lenguaje
contemporáneo, le faltaría confianza y credibilidad
La publicidad no ha suplantado al
arte de la Europa renacentista, es la
ultima forma de este ya que mantiene principios de la propiedad privada como el
de “eres lo que tienes” pero con distintos objetivos:
·
La pintura era un modo de reafirmarse en el
poder que tenia el espectador-rico.
la publicidad es una forma de crear un
deseo por lo que no se tiene en el espetador-comprador obrero
·
La fotografía sustituye a la pintura ya que
tiene la misma cualidad de realidad y tangibilidad y mayor velocidad de
creación.
·
Una cualidad de la pintura era que transmitiría
una imagen de ellos mismos a sus descendientes, la imagen publicitaria es
efímera
·
En la pintura el placer se encontraba en la
posesión del producto, en la publicidad se encuentra en la ilusión, en los
ensueños, por eso sigue siendo creíble, por que la ilusión la consigue.
·
En la publicidad la envidia social de las
personas es una emoción común y generalizada que genera productos como Marylin
Monroe, en la pintura las clases estaban determinadas por la sangre y no
existía tanto ese juego.
·
El arte formaba parte del consumo, la publicidad
convierte el consumo en un sustituto de la democracia, las elecciones de
consumo nos hacen sentir libres ocupan el lugar de las elecciones políticas.
